LUSTE EDITORES REGISTRA 20 ANOS DA CARREIRA DE ANTONIO PETICOV EM LIVRO DUPLO

Luste Editores lança Homo Faber, novo projeto do artista plástico Antonio Peticov composto por dois livros que se complementam: um recorte das obras do artista ao longo dos anos de 1967 a 1987; e um livreto, que funcionará como uma espécie de guia para o primeiro livro, incluindo análises realizadas pelo próprio artista, do ponto de vista da matemática, física e outras ciências, temas fundamentais para a compreensão de seu trabalho.

Desenhista, gravador e escultor autodidata, a formação artística de Antonio Peticov se constitui a partir de pesquisas pessoais e sistemáticas sobre história da arte e de sua integração aos movimentos artísticos de vanguarda, na segunda metade da década de 1960. Homo Faber descreve sua história, a influência das ciências em seu trabalho e a proximidade possível entre matemática e artes. Ao longo de Homo Faber, seus trabalhos são organizados segundo os grandes temas recorrentes de sua obra: os aspectos de energia, o Yin e o Yang, a Seção Áurea, a topologia, os elementos alquímicos, os labirintos, entre outros. Na Seção Áurea[1], como exemplo, Antonio Peticov utiliza conceitos numéricos para produzir arte - assim como Michelangelo e Da Vinci no passado. Em uma de suas criações, o artista reproduz a formação de um caramujo, cuja constituição do espiral segue à risca a proporção áurea – 1,618.

Convidado por Martin Gardner (escritor americano que ficou popularmente conhecido pela coluna Mathematical Games, publicada na revista Scientific American durante quase 40 anos), Antonio Peticov participou de algumas reuniões em Atlanta, Estados Unidos, com um grupo seleto de “gênios” do mundo todo. Único participante brasileiro, algumas curiosidades desses encontros também são apresentados em Homo Faber, livro que tem como introdução um prefácio póstumo de Martin Gardner. 

Autor de uma produção diversificada, Antonio Peticov sintetiza, nessa publicação, 20 anos de sua vida artística em um registro indispensável a colecionadores, estudantes e amantes de arte. Técnica, domínio das cores e criatividade percorrem toda sua obra, perfazendo um importante legado cultural para as gerações atuais e futuras.  

LIVRO: Homo Faber, de Antonio Peticov

Editora: Luste Editores

Patrocínio: Bradesco Seguros

Número de páginas: 1º livro: 296 / 2º livro (Livreto): 96 + Luva Especial

Dimensão: 25 x 25 cm

Preço de venda: R$ 90,00

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[1] A proporção áurea, uma constante real algébrica irracional denotada pela letra grega Phi, é considerada harmônica e agradável.

NEW CREATORS - High Fashion Summer Collection

NEW CREATORS LANÇA COLEÇÃO ALTO VERÃO 2015

A New Creators promove o lançamento da coleção alto verão 2015 de seus Creators, com curadoria de Flavia Trindade e trabalhos de 17 designers de moda e de acessórios. Composta por cerca de 100 peças entre vestidos, calças, saias, blusas, biquínis, colares, brincos e anéis, além de roupas masculinas, a coleção abrange uma grande variedade de materiais, tecidos e acabamentos, como seda, tricô e franjas.

O evento conta também com exposição de imagens da campanha fotografada por Jonas Tucci, em que as convidadas Alessandra Rehder, Florence Gaudin, Guta Virtuoso, Helena Barbeiro, Lais Mello e Stephanie Consoli são clicadas em editorias criativos e com caráter de retratos, vestindo looks compostos por peças dos Creators. “O conceito da campanha é, além de apresentar algumas roupas da nova coleção e o belo trabalho de Jonas Tucci, mostrar que cada estilista tem sua identidade.”, comenta Flavia Trindade.

Com o lançamento desta coleção, a New Creators da prosseguimento a sua agenda 2014 de eventos realizados em seu recém inaugurado espaço, o qual é dedicado não apenas à moda como também à arte e ao design. Uma ótima oportunidade para encontrar inspiração, cultura e lazer em um único local.

Evento: Lançamento da coleção New Creators / Alto Verão 2015

Curadoria: Flavia Trindade

Coordenação: Mariana Jacinto

Creators          
Moda: Ivana Corsele, Lorran Augusto, Debora Mangabeira, Tarjas, Helena Pontes, 3AM, Pynablu, Saint Mattias, Priscilla França, Melt Swimwear e Mohit. 
Acessórios: Lê Junqueira, Cine 732, Bianca Bertonni, Mireille Wendling, Maria Striker, Luiza Dias.

Data: 4 de dezembro de 2014, quinta-feira, das 17 às 22h

Local: New Creators – http://newcreators.art.br/

Rua Lisboa, 281 - Pinheiros – São Paulo, SP

Tel.: (11) 3539-1756

Horário: De segunda a sexta-feira, das 10h às 20h; Sábado, das 10h às 16h

Preços: R$ 110,00 a R$ 2.000,00

Campanha – Coleção New Creators / Alto Verão 2015

Convidadas: Alessandra Rehder, Florence Gaudin, Guta Virtuoso, Helena Barbeiro, Lais Mello e Stephanie Consoli  

Fotógrafo: Jonas Tucci

Maquiagem: Rebeca Magalhães e Cris Lopes

PRESEPE DI CARTA - MAS/SP

MUSEU DE ARTE SACRA DE SÃO PAULO EXIBE MOSTRA INÉDITA DE PRESÉPIOS DE PAPEL

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS-SP, equipamento da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, inaugura a exposição Presepe di Carta – Coleção Celso Battistini Castro Rosa, com curadoria de Osley José Viaro. Seguindo uma das maiores tradições cristãs nas festas de fim de ano, aproximadamente 150 presépios de papel da coleção particular de Celso Battistini Castro Rosa - a maior parte deles proveniente da Alemanha e impressos entre os anos de 1890 e 1940 - compõem a edição 2014 da já tradicional mostra de presépios do MAS-SP.

Pequenas maravilhas da litografia. Presépios de papel, dobráveis, antigos e bem conservados perfazem esta importante coleção, exposta pela primeira vez na capital paulistana. Bastante raros, atraem interesse de colecionadores ao redor do mundo, deixando para trás a fama de “presépios dos pobres” – conhecidos desta forma após a proibição de montagens representando o nascimento de Cristo, por Joseph II, imperador da Áustria, em 1782. Pintados e recortados em papel, esses presépios passaram das igrejas, dos palácios e locais públicos para as famílias e suas casas, recriando a cena da Natividade, então, para as pessoas comuns.

Sob influência da tradição barroca do teatro, entre os séculos XVII e XVIII, habitantes das cidades ricas da Itália e da Áustria contratavam artistas para pintar figuras bíblicas em papel. Porém, o ápice dos presépios de papel teve início apenas em meados do século XIX, coincidindo com o desenvolvimento da litografia – para a época, um novo processo de impressão. Houve, assim, um aumento significativo na produção desses presépios, sendo os mais famosos provenientes de Weissenburg (Alsácia, França), Neuruppin (Brandenburg), Mainz e Augsburg – as últimas três regiões localizadas na Alemanha. Para se ter uma ideia da raridade da coleção de Celso Battistini Castro Rosa, entre 1835 e 1900, Gustav Kühn (artista alemão de Neuruppin, 1750-1826) criou apenas 175 diferentes motivos de presépios em papel. Scholz Editor, de Mainz, ofereceu trinta e cinco modelos, em 1912. Weissenburg C. Burckhardt fez quarenta e dois, em 1907.

Com esta exposição inédita, o Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS-SP firma sua tradição natalina de trazer ao público os mais variados tipos de presépios, contribuindo com a manutenção dessa cultura popular. Nas palavras do curador, sobre a coleção de Celso Battistini Castro Rosa: “Acomodados em caixas, juntos a cartões de Natal, fotografias e preciosidades pessoais, estas relíquias de papel com seu rico colorido repousam lado a lado, desdobrando-se a cada Natal na pequena Belém de todos nós.”.

Exposição: Presepe di Carta – Coleção Celso Battistini Castro Rosa

Curadoria: Osley José Viaro

Abertura: 6 de dezembro de 2014 – sábado – às 11h

Período: 7 de dezembro de 2014 a 6 de janeiro de 2015

Local: Museu de Arte Sacra de São Paulo – www.museuartesacra.org.br

Avenida Tiradentes, 676 – Luz, São Paulo
Tel.: (11) 3326.3336 – agendamento de visitas monitoradas

GALERIA LUME APRESENTA O UNIVERSO DE PENNA PREARO EM INDIVIDUAL

Galeria Lume abre a individual Portal de Alice em Atlantis, do fotógrafo Penna Prearo, com curadoria de Agnaldo Farias. A série, composta por 21 fotografias, abraça elementos da pintura e do cinema, com uso de equipamentos visuais acessórios como filtros, prismas, lanternas mágicas, caleidoscópios, entre outros, perfazendo um recorte da produção recente e da pesquisa atual do artista.

Penna Prearo habita um mundo ainda incógnito para nós, um universo de fábulas e desvarios, com influências que não vem de ilusões, mas das existências ali vividas. Em sua obra, nada surge da casualidade, cada escolha vem de uma razão bem pensada, de referências artísticas principalmente pictóricas e cinematográficas. Portal de Alice em Atlantis mostra fragmentos do planeta homônimo onde o fotógrafo vive, com narrativas elaboradas como um diretor que constrói cenas e inventa cenários. As situações retratadas tem personagens tão improváveis quanto um mosquiteiro de tule, um cavalinho de pau, a cabeça de uma escultura clássica, duas rodas de bicicletas ou um hidrante, que o artista, em suas infatigáveis peregrinações, os percebe e trata como personagens enigmáticas, poderosas em suas presenças silenciosas. “Sua poética afigura-se como um diário do maravilhoso, que ele consegue fazer irromper de um cotidiano que os tristes e desavisados supõem comum.”, comenta o curador da mostra.

A individual de Penna Prearo é composta por obras de diversas séries, como Ballerinas – em que o fotógrafo utiliza mosquiteiros de tule incorporados a cenários variados, como se os elementos interagissem entre si em uma apresentação de balé -, Falange Ciclope – cujos personagens, desta vez, são representados por rodas de bicicletas -, Carrossel para um Kubrick Solitário – onde um cavalinho de madeira aparece sempre no clima fantástico característico de sua obra -, Portal de Alice – série composta por cenas que parecem parodiar a realidade, entre outras.

Em uma miscelânea de alusões e temas para a composição de suas fotografias, Penna Prearo realiza confrontos e tensões entre imagens, enfatiza a cor em seus trabalhos e destaca um repertório que vai de Alice no País das Maravilhas (de Lewis Carroll, publicado em 1865), inserindo a fábula na lendária ilha de Atlantis, ou Atlântida, criando seu universo individual.

Nas séries de Penna Prearo, o registro fotográfico não se presta a apenas registrar coisas e situações comuns. Sua função ultrapassa esse patamar, onde cria cenas de sonho, reais ou imaginárias, parafraseando a realidade. Seus trabalhos remetem a recortes de narrativas não lineares e à realidade cultural e underground das cidades por onde passa.

“Albergaria de seres transmutantes,

portas de entrada de Alices fugazes,

sistemas organizados,

desertores procurando

lascas de um tempo curvado.

Flechadas de luz farpada

em alvos transitórios.

Translúcidas paisagens

convidando para uma viagem

num transatlântico enfurecido

com bilhete só de volta.

Um dia mais, um dia menos.”

Penna Prearo

Exposição: Portal de Alice em Atlantis

Artista: Penna Prearo

Curadoria: Agnaldo Farias

Coordenação: Paulo Kassab Jr. e Felipe Hegg

Abertura: 23 de outubro de 2014, quinta-feira, às 19h

Período: De 24 de outubro a 28 de novembro de 2014

Local: Galeria LUME – www.galerialume.com

Rua Joaquim Floriano, 711 – 2º andar – Itaim Bibi – São Paulo, SP

Tel.: (11) 3168-0351

Horário: Segunda a sexta-feira, das 10h às 19h. Sábado, das 11h às 14h

GRIS ESCRITÓRIO DE ARTE EXIBE PROJETO AUTORAL DE RODRIGO EDELSTEIN

O GRIS Escritório de Arte, em parceria com o designer Rodrigo Edelstein, expõe o projeto Conversa Forjada, composto por 12 trabalhos sobre papel e 8 peças de design. Com curadoria de Paulo Azeco, esta é a primeira exposição individual da galeria, com sua recente inclusão no circuito cultural paulistano, com uma ação dirigida à busca de novos caminhos de disseminação de arte.

Como designer de mobiliário, o trabalho de Rodrigo Edelstein é marcado pelo uso de aço, com peças de estilo industrial e acento brutalista. Em Conversa Forjada, sua pesquisa se estabelece no universo das artes plásticas, com um trabalho autoral sobre papel de algodão, utilizando aquarela, nanquim, e caneta BIC. O artista imagina um diálogo seco e curto entre duas pessoas por meio de palavras e símbolos, como assertivamente descreve o filósofo francês Gilles Lipovetsky a respeito da sociedade “hipermoderna”. Porém, o diálogo aqui também é estético, encontra a herança concreta brasileira, e carrega forte interação com seu design e seus materiais do uso cotidiano.

O projeto será montado junto a uma retrospectiva de peças do designer, com itens de acervo e objetos de inspiração, no intuito de possibilitar ao expectador uma visita ao universo do artista e a melhor interpretação de seu pensamento criativo.

SERVIÇO

Conversa Forjada, de Rodrigo Edelstein

Curadoria: Paulo Azeco

Coquetel: 16 de agosto de 2014, sábado, às 16h

Período: 18 de agosto a 31 de outubro de 2014

Local: GRIS Escritório de Arte

Rua Oscar Freire, 2205 – Pinheiros

Tel.: (11) 3064-0380

SESC PIRACICABA EXIBE A 12ª EDIÇÃO DA BIENAL NAÏFS DO BRASIL

O Sesc Piracicaba exibe a 12ª edição da Bienal Naïfs do Brasil, com curadoria de Diógenes Moura e participação de 81 artistas, de 16 estados do país, os quais apresentam narrativas originárias de uma percepção sobre suas culturas, retratadas em cenas da vida cotidiana e com sofisticada simplicidade. 106 obras - pinturas, esculturas, gravuras, bordados, tecelagens, entre outros materiais – foram selecionadas pelo júri, este ano formado por Antônio Santoro Junior, Kelly Cecília Teixeira, Oscar D`Ambrosio e Valdeck de Garanhuns. A ideia para compor a Bienal Naïfs do Brasil 2014 é a de extrapolar os limites da estética tradicional e chamar a atenção do público para novos caminhos da produção de arte popular.

Criada em 1992 pela Unidade de Piracicaba do Sesc São Paulo, a Bienal Naïfs do Brasil foi uma iniciativa pioneira ao proporcionar espaço à arte ingênua, espontânea, instintiva ou simplesmente chamada de naïf. Pessoas que, na maioria das vezes, nunca tiveram instrução artística formal e, portanto, são autodidatas, se expressam plasticamente de maneira original. Nas palavras de Diógenes Moura: “Liberto em sua expressão popular, o artista naïf se livra do medo para entregar-se à descoberta de si mesmo. Como na fotopintura: ao entregar um retrato (entre os séculos XVII a XIX, nos Estados Unidos, a pintura primitivista nasceu da tradição dos retratistas amadores) para ser reproduzido da forma em que pensamos ou queremos ser, no ambiente que nos convém, entregamos aos olhos do artista fotopinturista uma parte da nossa existência, para que possamos ser retratados ’o mais parecido possível’.”. Em seu conceito curatorial, Diógenes Moura traça uma aproximação entre o universo da arte naïf e o universo da fotopintura, com o subtítulo ‘O Santuário Refletido no Espelho’, a fim de proporcionar o encontro e a possibilidade de relermos dois aspectos de uma manifestação artística fundamental no Brasil. “A fotopintura está ‘dentro’ da arte naïf. Não propomos nenhum tipo de comparação, mas, sim, de encontro: um pertencimento que deverá ser visto e tratado não apenas com olhos ‘de passagem’.” O curador ainda sinaliza as dificuldades pelas quais tanto a técnica da fotopintura como a arte naïf vem encontrando ao longo das últimas décadas para terem o merecido reconhecimento. “Tratado como grande pintor, o mais reconhecido dos primitivos, o francês Henri Rousseau tem sua obra no Louvre, ao lado da Mona Lisa. Por que temos tanta dificuldade em entender o que é nosso? Por que queremos sempre ser o “outro”, importado, superficialmente tingido e com prazo de validade vencido?”.

Nesta mostra, podem ser encontradas cenas que retratam a natureza e a presença do homem, o rural e o urbano, o vilarejo e a metrópole, as festas, a religião, enfim, visões poéticas sobre nosso país, sobre a cultura brasileira. Para esta edição, a proposta também é ultrapassar limites físicos do Sesc Piracicaba, incluindo no roteiro da Bienal instalações, intervenções, palestras, peças teatrais, oficinas e apresentações artísticas, com dança, DJ`s, ateliês abertos, etc.

A origem da Bienal Naïfs do Brasil remonta ao ano de 1986, por ocasião da primeira exposição coletiva reunindo um pequeno grupo de artistas naïfs no Sesc Piracicaba, como parte do projeto Cenas da Cultura Caipira. Já na primeira edição bienal, em 1992, originalmente denominada de Mostra Internacional de Arte Ingênua e Primitiva, o evento foi premiado pela APCA - Associação Paulista de Críticos de Arte na categoria de Melhor Evento de Artes Visuais do Interior do Estado. Em 2006, 41 obras, de 36 artistas, foram expostas na “Brazilian Naive Art from the Sesc Collection”, no Centro Cultural de Chicago (Chicago Cultural Center) - Chicago (EUA), numa reedição das obras premiadas entre os anos de 1992 a 2002. Ao longo dos anos, a Bienal se estabeleceu como principal evento de arte naïf do Brasil, chegando a sua 12ª edição neste mesmo ambiente prolífico e fértil de ideias, exibindo as mais variadas possibilidades de expressão popular produzida em todo o Brasil.

Artistas de Alagoas, Bahia, Espírito Santo, Goiás, Mato Grosso, Mato Grosso do Sul, Minas Gerais, Paraíba, Paraná, Pernambuco, Rio de Janeiro, Rio Grande do Sul, Roraima, Santa Catarina, São Paulo e Sergipe representam a cultura local de seus estados na Bienal Naïfs do Brasil 2014, trazendo um recorte da diversidade do nosso país no que se refere às religiões, festas populares e demais características de uma nação cuja cultura é de extrema riqueza.

Exposição: Bienal Naïfs do Brasil 2014

Realização: Sesc Piracicaba - http://bit.ly/WhwCrV

Curadoria: Diógenes Moura

Júri: Antônio Santoro, Kelly Cecília Teixeira, Oscar D'Ambrosio 
e Valdeck de Garanhuns

Abertura: 7 de agosto de 2014, quinta-feira, às 20h

Período: 8 de agosto a 30 de novembro de 2014

Local: Sesc Piracicaba

Rua Ipiranga, 155, Centro - Piracicaba, SP

Tel.: 0800 771 6243 / (19) 3437-9292

Horários: Terça a sexta-feira, das 13h15 às 21h30. Sábados, domingos e feriados, das

9h30 às 18h

GALERIA VILANOVA CELEBRA A PRIMAVERA COM MOSTRA COLETIVA

A Galeria Vilanova abre a exposição Entre Flores e Entrelinhas, dos artistas plásticos Virgilio Neves e Vitor Azambuja, com curadoria de Bianca Boeckel. Para a mostra, foram selecionadas 11 obras inéditas – entre desenhos e pinturas -, cujo tema principal é a primavera e as sensações que acompanham essa estação, em trabalhos que envolvem todos os nossos sentidos e reproduzem flores, cores e aromas.

Em duas telas e quatro desenhos, Virgilio Neves cria linhas que ocupam o campo visual dos suportes e que delimitam imagens de maneira aleatória, entregue ao acaso. Após procurar por diversos tipos de ferramentas, o artista iniciou uma pesquisa com extrato de própolis líquido, utilizando este elemento em seus desenhos juntamente com uma caneta permanente. O resultado obtido foi surpreendente não apenas pelos valores formais, mas pelas metáforas que surgiram a partir de então: “O aroma do própolis trazia sensações positivas que me devolviam à infância. E o poder de fixação desta substância e do seu aroma sobre o papel também estavam intimamente ligados ao poder de fixação desta memória em minha mente.”, comenta.

Por sua vez, Vitor Azambuja apresenta cinco telas com um tema recorrente em sua produção: a exuberância das rosas, em cores inusitadas e sempre surpreendentes - sua já conhecida marca. Apesar de sua inspiração na natureza, o artista não pinta pela observação e sim pela imaginação – a harmonia na combinação de suas cores não é fruto da reprodução, mas o resultado de um ato criativo autônomo. Formado em música pelo Conservatório Brasileiro de Música, como pianista, “para ele as flores, principalmente, o levam indubitavelmente aos sons que delas exalam”, diz Geraldo Edson de Andrade, membro da Associação Brasileira de Críticos de Arte.

Em uma celebração ao início da estação mais exuberante do ano, a primavera, Entre Flores e Entrelinhas propicia ao público uma nova visão sobre um tema corriqueiro, com pinturas e desenhos que não apenas se complementam, mas também estreitam o diálogo com o espectador. Nas palavras de Bianca Boeckel: “As obras dos dois artistas cantam e dançam diante dos nossos olhos”.

Exposição: Entre Flores e Entrelinhas

Artistas: Virgilio Neves e Vitor Azambuja

Curadoria: Bianca Boeckel

Abertura: 20 de setembro de 2014, sábado, às 18h

Período: 22 de setembro a 3 de novembro de 2014

Local: Galeria Vila Nova – http://www.galeriavilanova.com.br

Rua Domingos Leme, 73 – Vila Nova Conceição – São Paulo, SP

Tel.: (11) 2691-1190

Horário: Terça-feira a sábado, das 12 às 18h

CHEGA AO MUSEU DE ARTE SACRA DE SÃO PAULO A “CAPELA DA NONNA”, DE CANDIDO PORTINARI

Inédita na capital, a mostra reproduz os murais da capela que reúne um dos mais importantes acervos de obras sacras de Candido Portinari, em Brodowski (SP)

A partir de 7 de outubro (terça-feira), os paulistanos poderão conhecer um dos mais importantes conjuntos de obras sacras de Candido Portinari. A exposição "Capela da ‘Nonna’: Fé, Religiosidade e Arte" estará em exibição no Museu de Arte Sacra de São Paulo, instituição da Secretaria da Cultura do Estado. A mostra reproduz, em dimensões reais, por meio de painéis e recursos cênicos, a beleza dos murais que Portinari pintou, em 1941, nas paredes da capelinha que ele mesmo mandou construir dentro de casa da família, em Brodowski (SP), para que a avó Pellegrina, já doente, pudesse fazer suas orações.

“Trata-se de um dos conjuntos mais importantes na vida e obra de Candido Portinari. É a primeira vez que levamos uma exposição de Brodowski para São Paulo, e em parceria com o Museu de Arte Sacra”, explica Angelica Fabbri, diretora da ACAM Portinari que administra o Museu Casa de Portinari, em parceria com a Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo.

O espaço - Recriada com as mesmas dimensões e pinturas da capela original, a exposição traz impressos São Francisco de Assis, Santa Luzia, São Pedro, São José, São João Batista, a Sagrada Família, entre outras figuras religiosas admiradas pela família Portinari. Para pintar os santos, Candinho usou as fisionomias de seus parentes e amigos, uma tradição presente na pintura do século XV, principalmente entre artistas flamengos e italianos, e que foi retomada pelo artista.

Segundo Angélica Fabbri, a exposição em São Paulo também complementa a programação da recente reabertura do Museu Casa de Portinari, após dois anos em reforma e restauro. “Queremos alcançar novos públicos, fortalecer a relação da instituição com a comunidade, estimular o interesse na visita ao Museu e dar visibilidade a esse conjunto de arte sacra tão significativo e ímpar na obra de Candido Portinari”, conclui Angelica Fabbri.

Também fazem parte da itinerância uma releitura dos jardins do Museu Casa de Portinari, com os canteiros que formam a palavra DIO (Deus, em italiano), as roseiras cultivadas por Dona Domingas, mãe do artista, e textos com informações sobre a vida e obra de Portinari e a história do Museu. 

Museu de Arte Sacra

O Museu de Arte Sacra de São Paulo é uma das mais importantes instituições do gênero no país. Sua instalação data de 28 de junho de 1970. Desde então, passou a ocupar a ala esquerda térrea do Mosteiro de Nossa Senhora da Imaculada Conceição da Luz, na avenida Tiradentes, centro da capital paulista. Seu acervo é composto por coleções da Mitra Arquidiocesana, do Antigo Museu dos Presépios, da Ordem das Concepcionistas e de doações.

A edificação é um dos mais importantes monumentos da arquitetura colonial paulista, construído em taipa de pilão, raro exemplar remanescente na cidade, última chácara conventual de São Paulo. Foi tombado pelo IPHAN - Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, em 1943, e pelo CONDEPHAT - Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico e Arquitetônico do Estado de São Paulo, em 1979.

Tem grande parte de seu acervo também tombado pelo IPHAN, desde 1969, cujo inestimável patrimônio compreende relíquias das histórias do Brasil e mundial. O Museu de Arte Sacra de São Paulo detém uma vasta coleção de obras criadas entre os séculos XVI e XX, contando com exemplares raros e significativos. São mais de 14 mil itens no acervo. O museu possui obras de nomes reconhecidos, como Frei Agostinho da Piedade, Frei Agostinho de Jesus, Antonio Francisco de Lisboa, o “Aleijadinho” e Benedito Calixto de Jesus. Destacam-se também as coleções de presépios, prataria e ourivesaria, lampadários, mobiliário, retábulos, altares, vestimentas, livros litúrgicos e numismática.

Museu Casa de Portinari

Inaugurado em 14 de março de 1970, em Brodowski (SP), o Museu Casa de Portinari, instituição do Governo do Estado de São Paulo administrada pela Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo em parceria com a ACAM Portinari (Associação Cultural de Apoio ao Museu Casa de Portinari), Organização Social de Cultura, tem como edificação a casa em que morou Candido Portinari durante sua infância e juventude, e para onde o pintor retornava regularmente para desfrutar longas temporadas em busca de inspiração.

O imóvel representa o marco concreto do vínculo do artista com sua terra natal, ligação que é celebrada e perpetuada em suas obras plástica e poética. O acervo artístico da instituição constitui-se, principalmente, por trabalhos feitos em pintura mural, nas paredes da casa. Entre os ambientes que mais se destacam, estão o ateliê, com os objetos de trabalho do artista, e a Capela da “Nonna”.

Em maio de 2014, o Museu foi reaberto o depois de um completo e minucioso restauro que durou cerca de dois anos, com nova expografia e a descoberta de um afresco inédito.

Serviço:

Exposição “Capela da 'Nonna': Fé, Religiosidade e Arte"

Abertura: 7 de outubro de 2014, terça-feira, às 11h

Datas: 8 de outubro a 15 de dezembro de 2014

Local: Museu de Arte Sacra de São Paulo (Avenida Tiradentes, nº 676 – Luz, São Paulo)

Informações:  (11) 3326.3336 - visitas monitoradas

Horário: de terça a sexta-feira, das 9h às 17h, sábado e domingo das 10h às 18h

Ingresso: R$ 6,00 (estudantes pagam meia entrada); grátis aos sábados

OBRAS RELIGIOSAS DE VICTOR BRECHERET OCUPAM O MUSEU DE ARTE SACRA DE SÃO PAULO

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS-SP, equipamento da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, exibe Brecheret e sua Visão do Sagrado, com curadoria de Sandra Brecheret Pellegrini e expografia de Haron Cohen. Composta por 35 esculturas, 4 desenhos e 4 fotografias, a mostra nos revela o lugar preponderante que a temática do sagrado ocupou na vida do escultor ítalo-brasileiro Victor Brecheret.

Ao longo de toda carreira de Victor Brecheret, seu impulso criativo é especialmente refletido em suas esculturas religiosas, sendo a primeira manifestação desse tema, que se tem conhecimento, a obra “Pietá”, por volta da primeira década do século XX. “Embora Brecheret nunca tenha se vinculado exclusivamente a temas religiosos, retornava sempre àquilo que transmitia sua criação interna, trazendo de dentro de si a sua fé.”, comenta Sandra Brecheret Pellegrini. Para a exposição no MAS-SP, foram selecionadas obras da coleção particular da curadora, da qual destacam-se Madonas, Virgens e Pietás confeccionadas em gesso e bronze, entre 1920 e 1940; Virgens com criança e Anjos, cenas bíblicas (Santa Ceia, Senhor dos Passos, Anunciação), crucifixos e santos (São Francisco, São Jerônimo, São Paulo) feitos em gesso, bronze patinado, terracota e madeira, nas décadas de 1940 e 1950; além de imagens masculinas, em sua maior parte dos anos 1940, esculpidas em gesso.

Ao longo de sua trajetória, dentro do universo religioso, Victor Brecheret concebeu esculturas que exibem seu cuidado e primor em todos os aspectos, inclusive em relação às características fisionômicas, como podemos observar nos Sacerdotes e Apóstolos, que exibem expressões faciais bem marcadas como se estivessem refletindo a busca de razões internas e meditações espirituais. Em Os Anjos e os Santos, o semblante é de felicidade, de certa forma nostálgico, relembrando o recebimento da luz divina. Já no final de sua vida, produziu esculturas delicadas, em barro cozido (terracota), se aproximando da estética do barroco brasileiro e demonstrando um preciosismo notável. De acordo com Sandra Brecheret Pellegrini, o ponto alto da escultura religiosa de Brecheret é, sem dúvida, a figura de São Francisco: “Explorada sob vários ângulos, tamanhos e formas, nos leva a acreditar que seja o santo de sua preferência, por seu amor à natureza.”.

A mostra Brecheret e sua Visão do Sagrado transmite todo o amor que o escultor sentia pelas artes plásticas, sentimento com o qual se dedicou inteiramente ao ofício. Ressalta seu brilhantismo na trajetória artística de uma obra que teve início no século passado e que permanece hígida, atual, moderna, provocante. Cativa a memória dos paulistanos, por sua presença através de esculturas espalhadas pela cidade, as quais conferiram à capital parte de sua identidade social e cultural.

Exposição: Brecheret e sua Visão do Sagrado

Artista: Victor Brecheret

Curadoria: Sandra Brecheret Pellegrini

Expografia: Haron Cohen

Assistente de expografia: Laura Navarro

Abertura: 18 de setembro de 2014, quinta-feira, às 19h

Período: 19 de setembro a 16 de novembro de 2014

Local: Museu de Arte Sacra de São Paulo –                                                     www.museuartesacra.org.br

Avenida Tiradentes, 676 – Luz, São Paulo

Tel.: (11) 3326-3336 - visitas monitoradas

Horário: De terça a sexta-feira, das 9h às 17h, sábado e domingo das 10h às 18h

Ingresso: R$ 6,00 (estudantes pagam meia entrada); grátis aos sábados

Eliane Accioly Fonseca - Memória, Repetição e Outros Fragmentos - 15 de Outubro

ELIANE ACCIOLY FONSECA ABRE SUA PRIMEIRA INDIVIDUAL

A psicanalista, poeta e artista plástica Eliane Accioly Fonseca abre sua primeira mostra individual Memória, Repetição e Outros Fragmentos, composta por 18 telas onde traços fragmentados repetem memórias de encontros e desencontros no cotidiano, assim como de experiências que permeiam a existência de um artista.

Ao aceitar o desafio de fazer sua primeira exposição nesse momento de sua vida, os traços em suas pinturas vêm da forte capacidade intuitiva de uma vida dedicada a ajudar pessoas a encontrar seus próprios caminhos. É uma intuição trabalhada, o que é um paradoxo. Traços não heróicos e uma paleta de cores às vezes delicada, às vezes pujante, refletem as emoções que dominam seu ser ao criar uma obra de arte. A artista, intuitivamente, fragmenta traços, apaga formas, constrói camadas de tempo com cores e pinceladas que se sobrepõem e deixam rastros criando fragmentos de “memórias”.

Nas pinturas de Eliane Accioly Fonseca, predomina a dicotomia sombra e luz, regra primordial no mundo pictórico, onde uma afeta a outra, sendo a luz fundamental, mas inexistente sem a presença da sombra. Na sua paleta, a cor escura varia de tela para tela construindo a luz. A artista opta por tonalidades escuras, médias, e a luminosidade que dialogam.

A artista se considera como um produto de nossa cultura. “Vivemos hoje uma fragmentação do tempo humano, guerras pelo mundo; e, no entanto, o ser humano é bom, criativo e deseja a beleza; as telas não pertencem ao artista; a obra de arte tem vida própria; ela quer ganhar mundo”, define Eliane.

Exposição Memória, Repetição e Outros Fragmentos

Artista Eliane Accioly Fonseca

Abertura 15 de outubro de 2014, quarta-feira, às 19h

Período de 16 a 21 de Outubro de 2014

Local Club Athletico Paulistano – Sala de Artes Plásticas

Endereço Rua Honduras, 1400 – Jardim América